Crítica | Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia), de Alejandro González Iñárritu

Birdman es la historia de un actor que busca el prestigio sobre las tablas de Broadway después de haberse hecho famoso interpretando a un superhéore en Hollywood. Una película sobre los miedos y los egos instalados en la mente. Rodada con vigor por uno de los directores más lúcidos del cine, el mexicano Alejandro Rodríguez Iñárritu, Birdman es una película que no se queda en la superficie de una historia, sino que llega muy adentro, rebuscando en huecos profundos del alma humana. 

Protagonizada por Michael Keaton en el mejor papel de su carrera. Quizás pocos como él podría haber dado vida a ese actor que en otro tiempo fue Birdman (recordemos que Keaton fue Batman) de la manera en la que él lo hace: transmitir esa angustia y esa obsesión por deshacerse de algo que va ligado a su propia vida. Porque para desasirse de esa parte de su historia la única opción sería volver a vivirla. Imposible pues. Keaton que debería ganar el Oscar por la complejidad de este papel, por los matices y por la construcción de este personaje trágico y cómico e inolvidable. 

Junto a Keaton, Edwuard Norton derrochando buen hacer, el Oscar sería suyo de no ser porque su papel va quedando relegado a un segundo plano demasiado evidente, pero está fabuloso y nos regala alguna de las mejores escenas de la película. Igual que Emma Stone y Naomi Watts, ambas interpretando a mujeres destruidas por dentro, pero todavía en pie. 

Y es que el falso plano secuencia que es Birdman no es más que otra muestra de la grandeza del que ya fuera protagonista del mes en diciembre de 2010, Alejandro González Iñárritu, que ha logrado aunar la técnica para dar sentido completo a esta película que te deja descolocado al principio, fascinado inmediatamente después. Porque ese guión es fascinante, y aquel que diga lo contrario quizá es que padece la inesperada virtud de la ignorancia (juas juas). 

Cargada de matices, viva y brillante tanto en el fondo como en la forma, Birdman es una película inteligente y actual. Es cine arriesgado, de hoy, que cuenta lo que somos por lo que hemos sido, que no se recrea en pasados contados una y mil veces, que consigue lo que muy pocas, poquísimas películas: innovar, y hacerlo con esa elegancia y esa profundidad. Pocos como Iñárritu son capaces de algo así.

Críticas en CAJÓN DE HISTORIAS de las otras películas de Alejandro González Iñárritu:

- Amores perros

- 21 Gramos

- Babel

- Biutiful 

Texto: Ismael Cruceta @CajondeHistoria

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II PREMIOS PONTE CINE

Teniendo en cuenta de que en este espacio web fomentamos el cine, la literatura y otras manifestaciones culturales, no podría faltar una entrada dedicada a los Premios PonteCine, una iniciativa que pretende elegir, mediante votación popular, alguno de los mejores trabajos del año, tanto a nivel nacional (España) como internacional. 

Los nominados los han elegido los administradores del blog con la ayuda de los colaboradores (entre los cuales me encuentro), pero ahora os toca a vosotros decidir quién merece ganar. El año pasado la gran vencedora fue La piel que habito. Tengo mucha curiosidad por saber por qué película y qué intérpretes os decantaréis este año. 

Además, sólo por votar, entráis en el sorteo de una suscripción mensual premium a FILMIN, el mayor catálogo de cine online. Elegir a tus ganadores es requisito indispensable, pero desde PonteCine han querido premiar a aquellos seguidores más activos, por eso, hacer una entrada en vuestros blogs, o anunciar los premios a través de las redes sociales otorga participaciones extra. Podéis consultar todos los requisitos AQUÍ. 

Y ahora sí, os presento a los verdaderos protagonistas, los candidatos:

Mejor Actriz de Reparto

Anne Hathaway (Los miserables)

Lucía Guerrero (Grupo 7)

Penélope Cruz (A Roma con amor)

Sally Field (Lincoln)

Viola Davis(Tan Fuerte, tan cerca)

Mejor Actor de Reparto

Ewan McGregor (Lo Imposible)

Javier Bardem (Skyfall)

Karra Elejalde (Miel de Naranjas)

Russell Crowe (Los Miserables)

Tommy Lee Jones (Lincoln)

Mejor Actriz Principal

Carmina Barrios (Carmina o Revienta)

Judi Dench (Exótico Hotel Marigold)

Maribel Verdú (Blancanieves)

Marion Cotillard (De óxido y hueso)

Naomi Watts (Lo Imposible)

Mejor Actor Protagonista

Antonio De la Torre (Grupo 7)

Daniel Day Lewis (Lincoln)

Hugh Jackman (Los Miserables)

Omar Sy (Intocable)

Sean Penn (Un lugar donde quedarse)

Mejor Director

Ben Affleck (Argo)

Juan Antonio Bayona (Lo Imposible)

Pablo Berguer (Blancanieves)

Steven Spielberg (Lincoln)

Tom Hooper (Los Miserables)

Mejor Película

Argo

Grupo 7

Lincoln

Lo Imposible

Los Miserables

PODÉIS VOTAR AQUÍ

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Premios Goya 2013: Nominados. Primeras impresiones.

Casi todo ha sido como se esperaba en el anuncio de las nominaciones de los Premios Goya esta mañana. Tanto es así, que hemos acertado buena parte de la quiniela que se publicó el pasado mes de noviembre en Ponte Cine. Las grandes favoritas han confirmado su estatus y pelearán en las principales categorías en próximo mes de febrero. Son Blancanieves, El artista y la modelo, Lo imposible y Grupo 7. Las alegrías eran esperadas. Y no ha habido grandes sorpresas, ni grandes ausencias. Eso sí, me hubiera gustado ver a Los niños salvajes compitiendo en las categorías principales, aunque finalmente ha conseguido tres nominaciones para sus intérpretes. Me hubiera gustado ver a Karra Elejalde nominado por Miel de naranjas, pero no ha podido ser. Quizá se esperaba ver a Paco León y Carmina Barrios en la terna, pero pocos esperábamos la nomianción de María León por Carmina o revienta. Tampoco la de Candela Peña por Una pistola en cada mano. En los próximos días, mi quiniela fina. 

Mejor Película:

'El artista y la modelo', de Fernando Trueba

'Blancanieves', de Pablo Berger.

'Grupo 7', de Alberto Rodríguez.

'Lo imposible', de Juan Antonio Bayona.

Mejor Dirección:

Pablo Berger, por Blancanieves.

Fernando Trueba, por El artista y la modelo.

Alberto Rodríguez, por Grupo 7.

J.A. Bayona, por Lo imposible.

Mejor interpretación femenina protagonista:

Maribel Verdú por Blancanieves

Aida Folch por El artista y la modelo

Naomi Watts por Lo imposible

Penélope Cruz por Volver a nacer

Mejor interpretación masculina protagonista:

Daniel Giménez Cacho por Blancanieves

Jean Rochefort por El artista y la modelo

José Sacristán por El muerto y ser feliz

Antonio de la Torre por Grupo 7

Mejor interpretación femenina de reparto:

Ángela Molina por Blancanieves

María León por Carmina o Revienta

Chus Lampreave por El artista y la modelo

Candela Peña por Una pistola en cada mano 

Mejor interpretación masculina de reparto:

José María Pou por Blancanieves

Julián Villagrán por Grupo 7

Antonio de la Torre por Invasor

Ewan McGregor por Lo imposible

Mejor actriz revelación:

Macarena García por Blancanieves

Carmina Barrios por Carmina o revienta

Cati Solivellas por Los niños salvajes

Estafanía de los Santos por Grupo 7

Mejor actor revelación:

Emilio Gavira por Blancanieves

Àlex Monner por Los niños salvajes

Joaquín Núñez por Grupo 7

Tom Holland por Lo imposible

Mejor dirección novel:

Paco León por Carmina o Revienta

Oriol Paulo por El cuerpo

Isabel de Ocampo por Evelyn

Enrique Gato por Las Aventuras de Tadeo Jones

Mejor guión original:

Blancanieves

El artista y la modelo

Grupo 7

Lo imposible

Mejor guión adaptado:

Fin

Invasor

Las aventuras de Tadeo Jones

Tengo ganas de ti

Todo es silencio

Mejor película iberoamericana:

Siete cajas

Después de Lucía

Infancia clandestina

Juan de los Muertos

Mejor película europea:

De óxido y hueso

En la casa

Intocable

Shame

Mejor película de animación:

El corazón del roble

Las aventuras de Tadeo Jones

O apóstolo

The Whish Fish

Mejor música original:

Blancanieves

Grupo 7

El artista y la modelo

Lo imposible

Mejor canción original:

Blancanieves

Las Aventuras de Tadeo Jones

Los niños salvajes

La banda Picasso

Mejor dirección de producción:

Blancanieves

El artista y la modelo

Lo imposible

Grupo 7

Mejor dirección de fotografía:

Blancanieves

El artista y la modelo

Lo imposible

Grupo 7

Mejor dirección artística:

Blancanieves

El artista y la modelo

Lo imposible

Grupo 7

Mejor diseño de vestuario:

Blancanieves

El artista y la modelo

La banda Picasso

Grupo 7

Mejor maquillaje y peluquería:

Blancanieves

El artista y la modelo

Lo imposible

Grupo 7

Mejor montaje:

Blancanieves

El artista y la modelo

Lo imposible

Grupo 7

Invasor

Mejor sonido:

Invasor

El artista y la modelo

Lo imposible

Grupo 7

Mejores efectos especiales:

Blancanieves

Invasor

Lo imposible

Grupo 7

Mejor documental:

Contra el tiempo

Hijos de las nubes

Los mundos sutiles

Mapa

Goya de Honor:

Concha Velasco

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LO IMPOSIBLE, de Juan Antonio Bayona

Podríamos hablar de la cantidad de millones que ha recaudado ya en la taquilla española o de la campaña de marketing brutal de Mediaset que ha saturado las pantallas de televisión. Pero no. Porque Lo Imposible, más allá de las cifras económicas, ha conseguido que la gente vea y hable del cine español, y que lo haga con verdadera admiración. Porque a nivel técnico esta película está a la altura de las más grandes superproducciones desde la primera escena hasta la última. El sonido, los efectos especiales o la fotografía no tienen nada que envidiar a ningún otro filme de Hollywood. 

Pero esta espectacularidad técnica se entronca con un drama vibrante que acongoja más de lo normal porque el espectador sabe que ese desastre que tuvo lugar durante las navidades de 2004 en la costa asiática no es ficción. Y la realidad siempre es más dura que la ficción. Esa familia que disfrutaba del paraíso en Tailandia existió, existe, en verdad, y esa ola gigante marcó sus vidas para siempre, irremediablemente. 

A nivel emocional la película puede que caiga en clichés o que sea tramposa (la música, los primeros planos), pero es fácil dejarse arrastrar por esa ola y no poder reprimir las lágrimas cuando un padre se reencuentra con un hijo, cuando tienes ante tus ojos el escenario del dolor, de un dolor inevitable además, porque contra esa ola, contra la fuerza de la naturaleza hay poco que hacer. Quizá por eso dé más miedo. Por saber que fue real y que fue inevitable. 

No es una disaster movie convencional. Sino un cóctel de grandeza y de pequeñas cosas. De virtuosismo técnico y derroche, y también de miradas y abrazos estrechos. Es complejo que elementos tan dispares lleguen a buen término, pero Bayona, en su segundo largometraje, consigue un resultado más que digno, dando forma a sus ambiciones en una película que parecía imposible pero que es real. 

Decía la protagonista, Naomi Watts, que pocas veces ha afirmado con rotundidad en su trayectoria que estaba realmente orgullosa de su trabajo. Y aquí ha hecho gala de ese orgullo. No es para menos. En Lo imposible conjuga un buen hacer dramático con un gran trabajo físico. Está espléndida, como pocas veces lo ha estado en su carrera. Como lo estuvo en 21 gramos y en Madres e hijas, sumando ahora esa dificultad física que hay que elogiar. Pero ella no está sola, y Ewan McGregor y Tom Holland configuran un trío protagonista que son el motor la película.

Lo imposible, que es española 100% aunque no encontremos en ella referencias de nuestra identidad cultural, es una película que duele y que emociona. Que acongoja y que es un canto a la esperanza y a la vida cuando nadie apostaría por ella. Lo imposible es, en su espectacularidad técnica, una película pequeña que conecta con las emociones de un espectador apabullado, arrastrado también por esa ola, que bucea entre el lodo para salir a flote, para enjugarse las lágrimas y reconocer el disfrute de ver el séptimo arte en todo su esplendor. 

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J. EDGAR, de Clint Eastwood

La última película del gran Clint Eastwood, protagonista del mes en CAJÓN DE HISTORIAS, es un biopic sobre Edgar Hoover, el hombre que sentó las bases del FBI para que se convirtiera en una institución tal y como la conocemos hoy. Hoover fue un hombre entregado al trabajo, disciplinado, serio, y que se mantuvo al frente de este organismo hasta su muerte, "sobreviviendo" a siete presidentes de Estados Unidos, incluso si alguno de ellos quisieron deshacerse de él.

La película está protagonizada por Leonardo Dicaprio, que forma un tándem efectivo con el director, ambos son  profesionales de calidad indiscutible,  y ellos son el motor de una película bastante oscura, que en algunas partes puede llegar a ser plomiza, cargante. Considero que Dicaprio merecía estar nominado al Oscar por su interpretación, que me ha gustado más que, por ejemplo, la de Brad Pitt en Moneyball. Pero reconozco que es un actor algo encorsetado, muy efectivo para el perfil de este tipo de personajes, algo recios, capaz de desenvolverse sin problemas en las situaciones más difíciles, cuando todo el peso cae sobre él, pero que flaquea en otros registros y, sobre todo, poco brillante cuando comparte cartel con otros intérpretes, como le ocurrió en Revolutionary Road, donde no llegó al nivel.

Eastwood ha querido humanizar un personaje demasiado frío, y se ha apoyado en el guión de Dustin Lance Black, que ya escribió el texto de Mi nombre es Harvey Milk, para recurrir aquí a la temática homosexual. Pero Hoover, lejos de estar orgulloso de ser quién es como le ocurría a Harvey Milk (interpretado por Sean Penn), se reprime y es incapaz de mostrar cualquier mínimo sentimiento amoroso o sensual, por lo que esa parte de la película, que consigue sin quererlo convertirse en el núcleo temático principal, le da la oportunidad al secundario Armie Hammer de lucirse a través de unas miradas de amor cargadas de tristeza y naturalidad. 

En cuanto a las actrices: Naomi Watts floja e irrelevante, como casi siempre; y Judi Dench, espectacular, como casi siempre también, incluso cuando tiene poco margen de maniobra. J. Edgar es una película de hombres, sin ninguna duda.

Creo que la película es demasiado rigurosa, que Clint Eastwood está mayor y no tenía ganas de meterse en temas controvertidos, cuando la controversia siempre le ha llevado al nivel más alto de calidad, como en Million Dollar Baby. J. Edgar bajo una capa de maquillaje que en ocasiones se hace demasiado evidente y espesa y que no consigue ser el drama humano que podría haber sido. Con todo, Eastwood es Eastwood y a estas alturas es difícil que haga una película mala, como mucho, menos buena. Una lástima, por lo que pudo ser y no es.

Dos post para recordar:
Cartas desde Iwo Jima
Gran Torino


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Películas para olvidar #3#

Mulholland Drive, de David Lynch.

David Lynch, amado por muchos, odiado por otros tantos. Esta fue la primera película que vi de él y, seguro, algunos consideréis que es una obra maestra (consiguió la nominación al Oscar como Mejor Director; en FlimAffinity tiene un 7 de nota media) pero lo cierto es que, aunque me suele gustar el surrealismo, me suelen gustar los sucesos que dejan cosas abiertas, Mulholland Drive (con una mediocre Naomi Watts) me pareció una auténtica tomadura de pelo, me sentí absolutamente estafado y es un sinsentido total. A LA HOGUERA!!!

Bad Santa, de Terry Zwigoff

La vi las pasadas navidades... ¡¿Quién me mandaría a mí meterme en terrenos farragosos?! Billy Bob Thornton ordinario como siempre, rozando lo repulsivo, un guión absurdo, soporífero y con más agujeros que un queso gruyère... La Torrente sin gracia de las navidades de 2003. 100% para olvidar.

Venganza (Taken), de Pierre Morel

La segunda película de Pierre Morel ya contó con un reparto internacional encabezado por Liam Neeson, y el guión de Luc Besson, que estaría pensando en otras cosas cuando la escribió porque pretende ser un trhiller de acción inteligente y lo que es, sencillamente, una tomadura de pelo previsible, sin credibilidad alguna (cuando digo sin credibilidad, créanme, quiero decir SIN CREDIBILIDAD ALGUNA). Venganza es la prueba evidente de la decadencia de un gran actor venido a menos.

Ver también:

• Películas para olvidar #2#
• Películas para olvidar #1#

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21 GRAMOS, de Alejandro González Iñarritu

Dicen que son 21 gramos los que pierde el cuerpo justo en el momento de morir. 21 gramos lo que pesa el alma. 

Alejandro González Iñárritu dejaba al mundo con la boca abierta, una vez, más con su segunda película. Primero por contar con un reparto así: Sean Penn, Naomi Watts y Benicio del Toro. Y segundo, por conseguir sobrecoger y desconcertar al espectador. 

Una vez más, como ocurriera en Amores perros, parte de un accidente casual que une a los tres personajes principales, un accidente que marca sus vidas y sus muertes, que escuece en sus entrañas y deja cicatrices por fuera y por dentro. Une a los tres de una manera inevitable que el espectador descubre poco a poco y que va intuyendo desde el principio.

Una película de interpretaciones complejísimas que Sean Penn y Benicio del Toro resuelven de maravilla, e incluso Naomi Watts, por la que no siento mucha devoción, espléndida aquí, un papel cargado de dificultad pero que solventa con profesionalidad y verosimilitud. Los tres maravillosos, de verdad. Del Toro y Watts consiguieron incluso la nominación al Oscar, Penn la merecía también, aunque ese año competía consigo mismo en Mystic River, y finalmente el premio fue suyo.

También tengo que destacar las interpretaciones certeras de Melissa Leo y Charlotte Gainsbourg.

Diré que es, seguramente, la que menos me ha gustado de las cuatro películas de este director, y que, sin embargo, me ha gustado muchísimo.

21 gramos tiene un montaje espectacular e Iñárritu se consolidó con su segunda película como un realizador dramático como hay pocos en el planeta, porque hay que tener mucho valor para atreverse a rodar una película con un calibre dramático de tal embegadura e intensidad.  Maravillosa película sobre el amor, la muerte, la vida y la venganza.

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MADRES E HIJAS, de Rodrigo García

La última película de Rodrigo García, hijo del escritor colombiano Gabriel García Márquez, es un regreso a sus inicios como director, un ritmo pausado que recuerda al de su primera película Cosas que diría con solo mirarla, para la que ya contó con un reparto de lujo encabezado por Glenn Close.

Madres e hijas nos cuenta la historia de tres mujeres: una señora de unos cincuenta años a la que la vida se le ha pasado entre arrepentimientos; una ambiciosa abogada en su plenitud profesional que se queda embarazada sin esperarlo; y una afroamericana casada que no puede concebir y se decide, junto a su marido, a adoptar un bebé de una mamá de alquiler. Tres historias que se entrelazan más allá de la raza y las diferencias sociales.

Madres e hijas se sustenta en sus sobervias interpretaciones: Annette Bening asumiendo sus arrugas y sacándoles provecho, llena de matices un personaje complejo que se basa más en las miradas que en las palabras (me encantan las interpretaciones contenidas). Naomi Watts, actriz que no termina de convencerme, pero que está en estado de gracia. Y Kerry Washington, que demuestra que es una gran actriz aunque su carrera no termina de despegar. Y después Samuel L. Jackson para el que no hacen falta ni presentaciones ni adjetivos.

Sin embargo, el guión (del propio director) tiene vacíos en algunas partes y otras partes totalemente prescindibles por forzar el melodramatismo. García ofrece una visión mitad hermosa mitad triste de la maternidad, de las pérdidas y de los vínculos que se establecen entre madres e hijas. Un universo femenino y maternal que se escapa a mi entendimiento y que, centrándome únicamente en la película, da como resultado un metraje algo más largo de lo que debía, algunas escenas previsibles que echan a perder el conjunto, y una última media hora más que maravillosa.

Quizá estoy decepcionado porque me esperaba más, lo que me deja  Madres e hijas, sobre todo, es una  sensación agridulce. 

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